ANÁLISIS SECTORIAL DE LA ESCUELA ANDALUZA DE CINEMATOGRAFÍA

Por fin he podido entrar en el blog.( mira que me ha costado trabajo....)

Durante el último módulo del máster de este año, el equipo cultural7 nos reunimos para el reparto de tareas. Partimos de una información previa tras dos reuniones con el Director de la Escuela Andaluza de Cinematografía, donde se nos facilitó un proyecto inicial.

Tras estas reuniones y tras un análisis de la documentación facilitada hemos descubierto varias sorpresas. La primera es que La Escuela de Cinematografía es una empresa privada joven, recientemente creada. La segunda sorpresa acaeció cuando se nos informó que uno de los objetivos era ser una Productora.

Por tanto, para realizar un estudio de este equipamiento lo tendremos que realizar en dos vertientes; como escuela y como productora.

Partiendo de estas premisas he de comunicar que el trabajo que voy a realizar es el "Análisis Sectorial", tal como apunta David Roselló en su libro "Diseño y Evaluación de Proyectos Culturales", desarrollaré los primero cuatro apartados

a) Definición del Sector Cultural

b) Dimensión Social

c) Dimensión Jurídica

d) Dimensión Industrial

Por tanto a todas aquellas personas que leen nuestro blog, si quieren participar en mi exposición pueden apuntarme información, páginas web, bibliografía, datos... u opiniones referentes a estos apartados.

EL MOVIMIENTO, LA FORMA Y EL ESPACIO

Observando el vídeo que se nos muestra en Experiencia bloguera , ese en el que aparece Alexandra Ferri con Sting, no he podido por menos que pensar en la obra de Degas, el gran impresionista francés, y en algunas de las reflexiones que de ella se desprenden. Edgar Degas (1834-1917), preocupado por el movimiento, el cuerpo humano, y por el problema de la forma en el espacio, convierte el tema de las bailarinas de ballet en uno de los lei motiv de su producción pictórica. El pintor pone especial énfasis en el espacio, que, en oposición a las convenciones compositivas de la época deja vacío. La dimensión de este espacio desnudo, alrededor de la cual cada figura ejecuta un movimiento distinto, es captada por el artista francés en el gran número de óleos que dedica a este tema: bailarinas aisladas, en grupo, descansando, en plena representación, ensayando, adoptando infinitas posiciones y gestos; observadas desde múltiples perspectivas, con cortes bruscos en la composición y planos insólitos para la pintura de la época. Desgas las captará no sólo en su graciosa y ensayada postura en plena representación, frente al ojo exigente del público de la sala, sino detrás del escenario, en el instante de arreglarse el pelo, o las mallas, de sujetarse las cintas de las zapatillas...

La preocupación del impresionista francés por el movimiento, la forma y el espacio hallan su continuidad en imágenes como las que aparecen en el ya citado vídeo. Desde el comienzo del mismo, podemos observar detalles del lugar donde se va a desarrollar la acción. Un espacio dominado por entresijos metálicos y luces fluorescentes que son mostrados a través de un trávelling ascendente, acompañado todo ello por el sonido que se desprende al golpear las estructuras metálicas que configuran el edificio en cuestión, reforzando así el carácter enérgico y frio de la imágen. Y después del travelling, un fundido en negro deja paso al otro protagonista indiscutible, el cuerpo humano, mejor dicho, el cuerpo de los protagonistas, Alexandra y Sting. Mediante sucesivos cortes de montaje, la cámara, al igual que lo hicieran los pinceles de Degas, muestra el efuerzo realizado por la bailarina y el músico antes de comenzar la actuación; tras las bambalinas, va troceando dichos cuerpos mostrándonos así la resistencia que la materia genera con respecto al aire que la envuelve. Sólo hay que pensar para darse cuenta de ello en los siguientes planos, en los que aparece la bailarina seccionada por la mitad, sentada en el suelo y luchando contra la propia materia que retira de sus zapatillas, cuando raspa parte de la suela de las misma. Y sin embargo, en la segunda parte del vídeo, en contraste con lo anterior, se da paso a lo etéreo, a la abstracción y al arte; y la resistencia que el espacio oponía con respecto al cuerpo, y la brusquedad del sonido provocado por los golpes sobre lo metálico, deja paso a las caricias; el aire pierde su densidad hasta conseguir que el cuerpo de la protagonista flote y emerja de las notas que fluyen de la guitarra de Sting, cuyo cuerpo, en contraste con el de Alexandra que parece elevarse hasta el infinito, permanece anclado al suelo.

PRIMER INFORME SOBRE EL DIAGNÓSTICO DE LA ESCUELA DE CINEMATOGRAFÍA ANDALUZA

Comenzamos nuestro trabajo realizando una primera entrevista con el Director de la Escuela de Cinematografía Andaluza el día 9 Febrero a las 10 de la mañana. En la misma, estuvimos presentes, además del grupo Cultural7, el profesor Domingo González Lavado. Posteriormente, aprovechando la semana del tercer módulo del máster, nos reunimos cada día de la misma para elaborar un guión de trabajo que nos permitiera hacer frente a las distintas fases de la realización del diagnóstico. Cada miembro del grupo expuso su propio guión y con todos ellos, elaboramos en común el que, finalmente, llevaremos a la práctica.

La primera necesidad que se desprendía del guión elaborado fue conocer el proyecto inicial de la Escuela de Cinematografía Andaluza; proyecto que le fue solicitado al director de la misma por la secretaria del grupo y que éste, muy amablemente, nos envió mediante un correo electrónico. Una vez leído el proyecto por cada uno de nosotros y con todas las dudas que nos habían surgido sobre el papel, concertamos una nueva reunión, esta vez no tutelada, con el Director de la ya mencionada escuela. La reunión se realizó el día 30 de marzo a las 9 de la mañana.

El día 13 de Abril realizamos la última reunión con la intención de desarrollar este informe que exponemos aquí.

Con respecto al reparto de tareas, es algo que el grupo aún tiene pendiente y que pensábamos realizar en esta última semana del máster, porque aunque podemos estar en contacto vía menssenger, creemos que es un tema lo suficientemente importante para que asistamos todos los miembros del grupo y esto, en nuestro caso no resulta fácil, entre otras cosas, porque algunos de los componentes de este grupo vivimos fuera de Sevilla; así, contando con que esta semana de clases es un poco más relajada, intentaremos aprovechar las horas que nos queden libres para poder reunirnos.

El cronograma es uno de nuestros temas pendientes, pero dado que uno de los puntos que debemos tratar en el diagnóstico es el análisis comparativo entre la Escuela de Cinematografía Andaluza y otras como la ECAM y la ESCAC, nos hemos puesto en contacto con los dos directores de estas últimas para poder visitar las instalaciones de ambas para así recabar los datos oportunos que requiera nuestra investigación. Con la ECAM tenemos previsto reunirnos entre los día 9 y 11 de Mayo; la visita a la ESCAC intentaríamos hacerla en la semana siguiente.

En cuanto al material que estamos manejando, y teniendo en cuenta que nuestro trabajo requiere una evaluación transversal basada principalmente en estudiar los diferentes contextos en los que se ha intervenido de manera igual o parecida y establecer comparaciones, combinándola con una evaluación reflexiva, lo que nos llevaría a examinar el contexto antes y después de la creación de dicha escuela, hemos optado por consultar algunos trabajos que nos ayuden a elaborar los indicadores de evaluación más oportunos para el diágnostico de dicha escuela, a citar, entre otros, Indicadores culturales, una reflexión (Salvador Carrasco Arroyo, 1999). Además, estamos consultando el Estudio sobre propección del mercado laboral y necesidades formativas del sector audiovisual en Andalucía (Consejería de empleo y desrrollo tecnológico de la Junta de Andalucía, 2001), Instituto Nacional de Estadística e Instituto Andaluz de Estadística. Todo ello sin olvidar, que de manera individual, cada miembro del grupo está haciendo lo oportuno para adquirir los máximos conocimientos posibles en materia cinematográfica y audiovisual.

EL MALABARISMO ES UN ARTE

"El malabarismo es un arte, un arte abstracto", así es como comienza el artículo de presentación la Compagnie Jérôme Thomas. Thomas Pretende una combinación de danza y malabares, donde la comunicación no verbal se impone de una manera elegante y divertida. Una nueva visión de las artes del circo que le ha llevado a crear el primer ballet de malabares.

Este concepto de espectáculo comienza en el año 1985 con Michael Moshen, de Estados Unidos, quien concibe un malabarismo contemporáneo rompiendo los tradicionales moldes por los que este arte está acostumbrado a seguir.

En el Teatro Central tuvo lugar la obra de la compañía denominada "Rain/Bow" los días 16 y 17 de Marzo, a cuya cita tuve la oportunidad de asistir. Diez malabaristas en el escenario ejecutan movimientos dancísticos que van coordinando magistralmente con malabarismos que distan de ser meros ejercicios de dificultad, convirtiéndose en un programa integrado de estilismo, perfeción y originalidad.

El espectáculo se compone de dos partes, la primera lamada Rain se basa en una idea abstracta, sin un hilo conductor, en la que se mezclan música, percusión y luces haciendo simular la lluvia desde distintos elementos de malabares transformándose en imágenes bellas y sobrias. La segunda parte, Bow, cambia totalmente de tercio, después de la lluvia llega la calma, y el escenario se convierte en un motivo de alegría, desenfreno y sentido del humor donde, los malabarismos dejan de ser un ejercicio de concentración y pasan a usarse sin dificultad aparente, dando lugar preferente a la pantomima y la expresión corporal.

En definitiva, me quedé con un buen sabor de boca y con la esperanza de que el Teatro Central vuelva a incluir a esta compañía en su programación y que vosotros podáis disfrutar de su espectáculo si no ló pudísteis hacer en esta ocasión.

LA COMUNICACIÓN NO VERBAL A TRAVÉS DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

El acto comunicativo se manifiesta de dos maneras diferentes: a través de la comunicación verbal y la comunicación no verbal. Solemos dar más importancia a la primera, cuando la palabra representa tan sólo el 7% de la capacidad de comunicar a los demás, el tono de voz el 38%, y la postura corporal el 55% (Ribeiro,1998).

La comunicación no verbal ayuda a interpretar todos aquellos mensajes que no se expresan con el lenguaje verbal, aunque, en la mayoría de las ocasiones, se manifiesta de una manera inconsciente. Se dice mucho más de lo que se piensa, con los gestos y las posturas, que son inadvertidos pero transmiten muchísima información (usuarios.lycos.es, Milazzo, L.). La comunicación no verbal es el CÓMO transmitimos la información. Como dice Goffmann: “una persona puede dejar de hablar, pero no puede dejar de comunicarse con su cuerpo”.

Y la educación artística tiene mucho que decir en cuanto a la formación en comunicación no verbal, pues disciplinas como la música, las artes plásticas, la danza y la dramatización ayudan a transmitir y expresar mensajes sin necesidad de utilizar la palabra.

La educación artística a través de sus diferentes disciplinas, además de formar en el desarrollo de conocimientos, técnicas y habilidades artísticas, contribuye a la educación en valores, actitudes y aptitudes, como la disciplina, la constancia, la paciencia, el autocontrol, el respeto, etc., que permiten que el alumno/a mejore a nivel personal. A nivel emocional, ayuda a las personas a sentirse mejor, ya que aprenden desde la expresión artística a encauzar el estado emocional y la energía, a controlar los impulsos emocionales y darles una dirección consciente, positiva y constructiva. En la educación artística, lo que comienza como un autoprendizaje se convierte posteriormente en una autoayuda.

Después de una clase de cualquier expresión artística, es corriente sentirte a gusto, satisfecho con uno mismo. Las energías negativas que se van acumulando a lo largo de los días y semanas, como el estrés, la ansiedad, etc., experimentan una transformación en la que el organismo es como si se sintiese oxigenado y liberado de todas las agresiones que sufre en el día a día.

Sería interesante que, desde el punto de vista educativo y artístico, se apostara por la formación de la comunicación no verbal a partir de las diferentes disciplinas artísticas que pueden contribuir a ello. Lo cual, ayudaría a mejorar el discurso y las habilidades sociales del alumnado y profesorado de cualquier ámbito educativo.

ENLACES DE INTERÉS:
- http://www.usuarios.lycos.es/doliresa/, Lia Milazzo.
- http://www.usuarios.iponet.es/casinada/0901com.htm. Salinas, C
- http://www.roble.pntic.mec.es/~msanto1/lengua/1venover.html

BIBLIOGRAFÍA DE INTERÉS:
- REBEL, G:(1995). El lenguaje corporal. Madrid, Edaf.
- RIBEIRO, L: (1998). La magia de la comunicación. Barcelona, Urano.

DE TINTORETTO AL SIGLO DE PICASSO

Susana y los viejos
(Tintoretto, 1555-56)

Retrato de Pablo Picasso en
el S.XXI (Dalí, 1949)

En estos días se dan cita en Madrid dos exposiciones de interés relevante. Una la dedicada a Tintoretto, en el Museo del Prado; y la otra, El retrato en el Siglo de Picasso, ubicada en la galería Thyssen. He tenido ocasión de visitar ambas y las recomiendo.

Siguiendo un itinerario cronológico, me introduje primero en el mundo del manierista veneciano, donde las arquitecturas se prolongan en interiores profundos y los cuerpos se retuercen en grandes escorzos que ocupan los primeros planos de las composiciones; los colores vivos contrastan con las encarnaduras pálidas, pero brillantes, de las damas mitológicas, ricamente ataviadas, que protagonizan algunas de las obras más interesantes del autor; la multitud de personajes, de primer orden unos y otros secundarios, no hacen sino dar cuenta de una pintura que pretende poner de manifiesto una realiadad mimética a través de perspectivas que invitan al espectador a introducirse en la Venecia del S.XVI. En otro orden, se encuentran los retratos que el mismo autor realiza a personajes de la época. El color desaparece en ellos, y las escenas secundarias dejan paso a los fondos neutros para poner el énfasis en el rostro del retratado, cuya psicología es capturada magistralmente por Tintoretto.

Luego, mis pasos se encaminaron a la galería Thyssen, y allí me encontré con todos; con algunos de ellos cara a cara, incluso -con los que decidieron autorretratarse- Un gran número de retratos, obra de los artistas más importantes contemporáneos de Picasso, me dieron la bienvenida. Y de la realidad manierista, pero mimética al fin y al cabo de Tintoretto, me introduje en otra muy distinta. Una realidad en la que los colores y las formas se reinventan; una que termina descomponiéndose en prismas para ser reconstruida nuevamente; una realidad que nos devuelve la mirada de seres atormentados unos, y apacibles y felices, y hasta irónicos otros. Así, las encarnaduras nacaradas de las venus de Titoretto son transformadas ahora, por algunos de estos maestros, en grandes superficies de color naranja que configuran el cuerpo de las modelos, pongamos por caso algunas obras de Matisse. Otros artistas como Egon Schieler, Munch o el propio Van Gogh retuercen los rostros y hasta las manos de sus retratados transmitiendo a quellos que comtemplan estas obras su propia angustia; así hasta llegar a la deconstrucción de los retratos picassianos, acompañados del resto de los autores -imposibles de nombrar aquí porque no quiero dejarme a ninguno en el camino- que se dan cita en dicha exposición.

BELLEZA PLÁSTICA EN LA ESCENOGRAFÍA DE LA ÓPERA "TOSCA"

Acostumbrados últimamente al minimalismo conceptual escenográfico, nos ha cautivado la creación plástica de la escenógrafa Margherita Palli en la Ópera Tosca, producida por el Teatro Alla Scala de Milán y de la que hemos podido disfrutar estos días en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Sólo el apasionamiento y entusiasmo por el trabajo artístico, son capaces de lograr una puesta en escena de tan original creatividad.
Como si de una obra pictórica tratara, esta profesional de la escenografía, combina perfectamente todos los elementos que la componen: Los decorados, el atrezzo, el color, la luz y la composición, tan importantes en una creación artística. A lo largo de toda la obra, la plasticidad de la imagen, es tratada con sumo cuidado. Logrando que el resultado sea de gran calidad. Sintiéndose el espectador totalmente seducido por la belleza visual de la que puede disfrutar, junto con el fabuloso repertorio de Puccini.
La construcción de un espacio de ficción, se resuelve con un original uso de la perspectiva, que logra que los paramentos interiores de una iglesia, se articulen por medio de una perspectiva irreal, basada en diferentes puntos de fuga, consiguiendo que sean vistos desde angulaciones vertiginosas, generadoras de múltiples tensiones y gran dinamismo. (Este tipo de composiciones arquitectónicas recuerdan a las utilizadas por los Galli Bibiana (1657-1743), conocidos en el mundo del arte por sus perspectivas pictóricas de diferentes direcciones, que aplicaron a la escenografía).
La composición general, también tiene reminiscencias a las pinturas del Tiépolo (1696-1770), en los techos del Palacio Arzobispal de Udine, por sus perspectivas forzadas.
Los paramentos rebosan de elementos dinámicos y extravagantes típicos del barroco italiano creado por Borromini. (Y es que, este arquitecto, trabajó en los proyectos de esta iglesia bajo las órdenes de Maderno, alrededor de 1620) La escenografía consigue, que el espectador se sitúe en el interior del brazo derecho del crucero de la iglesia barroca Sant´Andrea della Valle.

El lenguaje visual y expresivo de la composición escenográfica, logra que la ambientación se vuelva mágica. La iluminación cambia a cenital, como si rayos del sol entraran desde la linterna de la cúpula. Un halo místico y sagrado, embriaga la escena. Con paso lento, hace la entrada triunfal el Cardenal. Éste perfectamente ataviado, con el báculo, la mitra y un gran manto al estilo de nuestras vírgenes barrocas, se dirige hacia el Altar situado bajo la cúpula. Acompañado de un numeroso séquito de acólitos, monaguillos y pajes, portadores de una cruz alzada y ciriales dorados, a los que se le unen un gran número de personajes del pueblo, de apariencia pobre y enferma. Creando un fuerte contraste entre la suntuosidad y lo sórdido. El conjunto forma una rica composición de belleza escenográfica sobre cogedora, que junto con la iluminación, el colorido, la candelería del Altar, el humo del incienso y su embriagador olor, logran una atmósfera especial que consigue extasiar al espectador y lo hace partícipe del momento, sintiéndose inmerso, como en un cuadro de Virgilio Mattoni (1843-1923).

El siguiente acto, se desarrolla en una majestuosa sala del Palazzo Farnese. El espacio queda articulado por medio de enormes cuadros. El Altar, a la derecha, parece conmemorar al de Guarino Guarini (1667-1690) en la capilla del Santo Sudario de Turín.

El último acto comienza, con una espectacular imagen del amanecer sobre el Castillo de Sant’Angelo, simbolizado por la escultura del ángel en primer término. Van apareciendo unas siluetas a contra luz de los soldados y de la arquitectura, que acompañados de la difusa iluminación, crea una atmósfera similar a la una obra pictórica, dando paso a la magnífica aria de Cavaradossi. La forma caótica de articular la arquitectura, ayuda a que la escena esté cargada de tensiones visuales extremas, logrando gran dramatismo y teatralidad, quizás como presagio del fatídico final.