BELLEZA PLÁSTICA EN LA ESCENOGRAFÍA DE LA ÓPERA "TOSCA"

Acostumbrados últimamente al minimalismo conceptual escenográfico, nos ha cautivado la creación plástica de la escenógrafa Margherita Palli en la Ópera Tosca, producida por el Teatro Alla Scala de Milán y de la que hemos podido disfrutar estos días en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Sólo el apasionamiento y entusiasmo por el trabajo artístico, son capaces de lograr una puesta en escena de tan original creatividad.
Como si de una obra pictórica tratara, esta profesional de la escenografía, combina perfectamente todos los elementos que la componen: Los decorados, el atrezzo, el color, la luz y la composición, tan importantes en una creación artística. A lo largo de toda la obra, la plasticidad de la imagen, es tratada con sumo cuidado. Logrando que el resultado sea de gran calidad. Sintiéndose el espectador totalmente seducido por la belleza visual de la que puede disfrutar, junto con el fabuloso repertorio de Puccini.
La construcción de un espacio de ficción, se resuelve con un original uso de la perspectiva, que logra que los paramentos interiores de una iglesia, se articulen por medio de una perspectiva irreal, basada en diferentes puntos de fuga, consiguiendo que sean vistos desde angulaciones vertiginosas, generadoras de múltiples tensiones y gran dinamismo. (Este tipo de composiciones arquitectónicas recuerdan a las utilizadas por los Galli Bibiana (1657-1743), conocidos en el mundo del arte por sus perspectivas pictóricas de diferentes direcciones, que aplicaron a la escenografía).
La composición general, también tiene reminiscencias a las pinturas del Tiépolo (1696-1770), en los techos del Palacio Arzobispal de Udine, por sus perspectivas forzadas.
Los paramentos rebosan de elementos dinámicos y extravagantes típicos del barroco italiano creado por Borromini. (Y es que, este arquitecto, trabajó en los proyectos de esta iglesia bajo las órdenes de Maderno, alrededor de 1620) La escenografía consigue, que el espectador se sitúe en el interior del brazo derecho del crucero de la iglesia barroca Sant´Andrea della Valle.

El lenguaje visual y expresivo de la composición escenográfica, logra que la ambientación se vuelva mágica. La iluminación cambia a cenital, como si rayos del sol entraran desde la linterna de la cúpula. Un halo místico y sagrado, embriaga la escena. Con paso lento, hace la entrada triunfal el Cardenal. Éste perfectamente ataviado, con el báculo, la mitra y un gran manto al estilo de nuestras vírgenes barrocas, se dirige hacia el Altar situado bajo la cúpula. Acompañado de un numeroso séquito de acólitos, monaguillos y pajes, portadores de una cruz alzada y ciriales dorados, a los que se le unen un gran número de personajes del pueblo, de apariencia pobre y enferma. Creando un fuerte contraste entre la suntuosidad y lo sórdido. El conjunto forma una rica composición de belleza escenográfica sobre cogedora, que junto con la iluminación, el colorido, la candelería del Altar, el humo del incienso y su embriagador olor, logran una atmósfera especial que consigue extasiar al espectador y lo hace partícipe del momento, sintiéndose inmerso, como en un cuadro de Virgilio Mattoni (1843-1923).

El siguiente acto, se desarrolla en una majestuosa sala del Palazzo Farnese. El espacio queda articulado por medio de enormes cuadros. El Altar, a la derecha, parece conmemorar al de Guarino Guarini (1667-1690) en la capilla del Santo Sudario de Turín.

El último acto comienza, con una espectacular imagen del amanecer sobre el Castillo de Sant’Angelo, simbolizado por la escultura del ángel en primer término. Van apareciendo unas siluetas a contra luz de los soldados y de la arquitectura, que acompañados de la difusa iluminación, crea una atmósfera similar a la una obra pictórica, dando paso a la magnífica aria de Cavaradossi. La forma caótica de articular la arquitectura, ayuda a que la escena esté cargada de tensiones visuales extremas, logrando gran dramatismo y teatralidad, quizás como presagio del fatídico final.